La Fotografía de Arte inglesa, movimiento representado principalmente por Oscar Gustav Rejlander, Henry Peach Robinson y Julia Margaret Cameron, ha pasado a la historia por ser la primera expresión propiamente estética del medio fotográfico. Este grupo, que decidió conscientemente distanciarse del uso popular y científico de la fotografía, ha sido visto en la mayoría de tratados de manera descontextualizada en relación con la estética victoriana, tanto en la pintura, con la que guarda una ineludible relación – y, sobre todo, con la de la hermandad Pre-Rafaelita – y con la literatura de su tiempo, de la que toma gran parte de su inspiración.

El objetivo de este trabajo es demostrar la hipótesis de que, en este contexto, la fotografía debía generar una visión idealizada de la realidad para ser considerada como Arte. Idealización que, apelando a valores tradicionales y a sus expresiones literarias y pictóricas, se convierte en especialmente problemática con la utilización de la fotografía, una herramienta “científica” de captura de la realidad. Esta idealización, entonces, ha de verse reflejada a través de una manipulación de la materialidad fotográfica, mediante el uso de recursos como el montaje, desenfoque e incluso la adulteración del negativo.

Estos procesos, que pueden relacionarse asimismo con una reinterpretación de la oposición entre artista y artesano enunciada por Larry Shiner, no representarían, por lo tanto, sino una necesidad de control sobre la representación y sobre la técnica, en un contexto conservador y de emergencia del oficio del fotógrafo como elemento de movilidad social durante la Segunda Revolución Industrial.

Este trabajo, por lo tanto, buscará examinar las obras más importantes de los autores mencionados, así como el uso que le dio a la fotografía Dante Gabriel Rossetti, pintor pre-Rafaelita, que encarna también búsquedas similares dentro del mismo contexto cultural victoriano de mediados del siglo XIX.